Samstag, 06 April 2024
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Chart Beat
Taylor Swifts Songwriting und Produktion analysiert: 13 Geheimnisse zu ihrem Chart-Erfolg
Hit Songs Deconstructed hat die Klangelemente von Swift's Hot 100 Top 10s von Fearless bis Midnights untersucht.
Von David Penn, Gary Trust
„Die Ideen sind mein Lieblingsteil von allem, was ich tue. In diesem Moment, in dem du so bist, "Oh, ich weiß, wie es heißt", oder "Ich weiß, was der Haken jetzt ist." "
Taylor Swift sinnierte über ihren kreativen Prozess nach der Veröffentlichung ihres Dokumentarfilms Miss Americana aus dem Jahr 2020.
„Ich erinnere mich, als ich eine Idee bekam, als ich 12 Jahre alt in meinem Zimmer war“, fuhr Swift fort. „Früher habe ich eine Idee bekommen und ich wäre so: „Ja, Idee!“ Und dann würde ich diese Angst bekommen und fast betrübt, dass niemand es jemals hören würde. "Ich werde das nie zu etwas machen. Es ist nur meins.
Swift hat 232 Hits auf der Billboard Hot 100 ausgezählt, darunter 138 Top 40-Einträge und 49 Top-10-Tener (alles geschrieben oder mitgeschrieben, und der Großteil davon hat sie koproduziert) - alle die meisten Frauen in der Geschichte der Charts (durch die Umfrage vom 6. April 2024). Von diesen haben 11 Nein getroffen. 1.
Nach der Ankunft auf den Hot 100 vom 23. September 2006 mit ihrer Debüt-Single "Tim McGraw" erreichte Swift zuerst die Top 10 der Charts vom Aug. 30, 2008, mit „Change“; fünf Wochen später kehrte sie mit „Love Story“ mit beiden Songs von ihrem zweiten Album Fearless in die Region zurück. Im Jahr 2022 war sie die erste Künstlerin, die die gesamten Top 10 der Hot 100 in einer einzigen Woche mit 10 Tracks aus ihrem letzten Album des gesamten Originalmaterials, Midnights, einbrachte.
Wie hat sich Swifts Songwriting und Produktion in den mehr als zehn Jahren entwickelt, seit sie zum ersten Mal die Top 10 der Hot 100 erreicht hat? Was zeichnet sich als einzigartig in ihrem Handwerk aus? Und welche Techniken hat sie eingesetzt, die ihr geholfen haben, dass sie die Eras-Tour bahnbrechend macht?
Hit Songs Deconstructed, das kompositorische Analysen für die Top 10 Hot 100-Hits bietet, hielt vor kurzem eine Meisterklasse, in der Swifts Top 10 von Fearless bis Midnights untersucht wurde, gefolgt von der Veröffentlichung seines kostenlosen 93-seitigen Berichts „The Taylor Swift Evolution“.
Über Einblicke von David Penn, der Hit Songs Deconstructed mit Yael Penn mitbegründete, ist hier ein Blick auf 13 Geheimnisse zu Swifts historischem Erfolg Hot 100.
Billboard: Gibt es Hauptunterschiede in Swifts Songwriting oder -produktion zwischen den früheren und neueren, nun ja ... Epochen ihrer Karriere und bemerkenswerten Ähnlichkeiten?
Penn: Wenn es um die Produktion geht, waren Verschiebungen über Alben sowohl subtil als auch bemerkenswert. Schon früh kam ihr Schritt von Country, Pop und Rock-Einflüssen zu ausgewachsenen Mainstream-Pops, was auch dazu beitrug, ihre Kern-Fangemeinde zu entfremden.
Die perfekte Balance von Alt und Neu war auf dem Red 2012 am deutlichsten. Im Laufe der Zeit wurden die Verschiebungen jedoch deutlicher, vor allem in Reputation, Lover, Folklore und Evermore. Diese Entwicklung funktionierte, weil die OG Swifties auf lange Sicht dabei waren, und sie gewann mit jedem Album eine ganze Reihe neuer Fans, dank ihrer wechselnden Stile, Sounds, Vibes und Personas. Es ist so, als würde man eine Seite aus dem David Bowie Playbook nehmen.
Eine weitere große Veränderung ist ihr Einsatz von Gitarren, sowohl Elektro- als auch Akustik. Sie waren ein prägendes Merkmal von Swifts früher Musik, begannen aber nach Red zu verblassen, mit Ausnahme der Hits von Folklore und Evermore, die sich eher zu Singer-Songwriter und Folk-Stilen neigung.
Dann gibt es einige Techniken, die einst Teil ihres charakteristischen Sounds waren, aber seitdem fallen gelassen wurden, möglicherweise um nicht zu vorhersehbar zu werden oder aufgrund stilistischer Irrelevanz. Ein Paradebeispiel ist das, was wir bei Hit Songs Deconstructed die S.I.A.-Technik nennen: Abschnitt Impact accentuator. Hier werden Teile oder alle Instrumente aus der Mischung gezogen, um einen Haken ins Rampenlicht zu Strahlern, oft am Ende eines Chors. Während dies ein Grundnahrungsmittel von Swifts frühem Sound ist, wurde es im Zeitwesen weniger häufig. Man hört es wirklich unter anderem in "Love Story", "...Ready for It?" und „Lover“.
Ein Aspekt von Swifts Songwriting, der im Laufe ihrer Karriere konstant geblieben ist, ist die Einbeziehung von Liebes- und Beziehungstexten. Praktisch jeder Song in ihrer Sammlung von Hot 100 Top-10-Hits dreht sich um das Thema. Wie bei den Entwicklungen in ihrem eigenen Leben variieren ihre Lieder zwischen Liebe und verlorener Liebe. Auf Fearless and Speak Now lag der Schwerpunkt vor allem darauf, verliebt zu sein, während Red Themen der verlorenen Liebe vorstellte. Seitdem hat sich der Fokus auf Alben verlagert.
Hat sich Swifts Songwriting und Produktion weitgehend im Einklang mit Hot 100 Trends entwickelt? Natürlich ist sie Teil der Trends, angesichts all ihrer Hits.
Bestimmte Aspekte von Swifts Songwriting und Produktion waren im Einklang mit den Mainstream-Trends. Zum Beispiel kapitalisierte 2017’s „I Don’t Wanna Live Forever (Fifty Shades Darker)“ mit Zayn von der Spitzenpopularität von Schnappschüssen in den Top 10 der Hot 100, die in anderen verschiedenen Hits wie der No. 1s „Closer“ von The Chainsmokers und Halsey und „That’s What I Like“ von Bruno Mars.
Auch 2017 nutzte „...Ready for It?“ die steigende Popularität des Hip-Hop sowie der Tropen, die damals in anderen bemerkenswerten Hits wie "Shape of You" von Ed Sheeran und „Don’t Wanna Know“ von Maroon 5 gipfelte und präsent war.
Ein paar andere Bereiche, in denen sie sich mit der Zeit entwickelt hat, ist ihre Abkehr von großen, hochenergetischen Refrains; getrimmte Songlängen; und eine geringere Verwendung von Pre-Chörnern.
In Songs wie 2020 „Cardigan“ Strahler Strahler des unteren Registers in ihrer Stimme. Hat sie sich mehr darauf verlassen, als sich ihre Karriere entwickelt hat?
Ein Teil davon hat mit der Reifung zu tun, sicher. Aber noch wichtiger ist, dass das Register, in dem sie singt, effektiv widerspiegelt, was die Texte und die Stimmung rechtfertigen. Zum Beispiel in "Cardigan" fallen sie in ein niedriges Register in Iines 2 und 4 des Verses, wo sie singt, „wenn du jung bist, nehmst sie an, dass du nichts weißt“, scherzt mit und betont den negativen Ton des Textes. Ihr Sprung zu einem höheren Register in den ersten vier Zeilen des Refrains vermittelt jedoch zusammen mit ihrer animierteren Lieferung die Leidenschaft und das Begehren, die in den Texten auf überzeugende Weise vorhanden sind.
Auch in „Cardigan“ verwendet Swift, was tatsächlich wie „High Heels auf Kopfsteinpflaster“ klingt, und spiegelt den Songtext wider. Wie konventionell ist diese Produktionstechnik in Pop-Hits?
Die Verwendung von Produktionstechniken zur Verstärkung lyrischer Inhalte und der emotionalen Wirkung eines Songs ist sehr häufig. Von der ominösen Stotterndewirkung auf den Haupthaken in Billie Eilishs „Bad Guy“ bis hin zum Startwagenmotor zu Beginn von Olivia Rodrigos „Drivers License“ bis hin zum Donner und der Kirchenglocke auf Black Sabbaths gleichnamigem Lied wurden diese Techniken im Laufe der Jahrhunderte zu viel Gebrauch gemacht. Im Werk eines Künstlers werden sie jedoch sparsamer eingesetzt, um Vorhersehbarkeit und Klischee zu vermeiden.
In „Cardigan“ ist die Produktionsqualität „hohe Absätze auf Kopfsteinpflaster“ recht clever, da sie auch ein perkussives Element anstelle von Trommeln serviert, während sie den Einfluss der Szene betont. Ein weiteres bemerkenswertes Beispiel ist der Stift-Klick in „Blutraum“. Während der Song-Titel-Hok von selbst beeinflusst wird, hat der Zusatz des Stift-Klicks es ikonisch gemacht: "Aber ich habe eine Leerstelle, Baby" ... Pen Click ... "Und ich werde Ihren Namen schreiben."
In „Exile“, Swift und Bon Ivers Justin Vernon singen gleichzeitig – aber sie kontert Texte. Besonders ergreifend singt Vernon „ Weil du nie ein Warnzeichen gegeben hast“, während Swift rues „Ich habe so viele Zeichen gegeben“ singt. Ähnlich wie bei „Summer Nights“ von Grease, hören wir als Zuhörer beide Seiten, während die Sänger es anscheinend nicht sind. Was halten Sie aus dieser komplizierten lyrischen Struktur?
Das ist die Brillanz eines effektiven Duetts, das weit über die bloße Präsentation von Künstlern hinausgeht, aber sie geschickt in die Handlung einwebt, um der Erzählung eine erhöhte Dimension und Wirkung zu verleihen. Interessanterweise gibt es nur wenige Duette in Swifts Top-10-Arbeit.
„Me!“ mit Brendon Urie ist ein weiteres Beispiel für ein hochwirksames Duett, vor allem in der Brücke – einem Songteil, für den Swift weithin bekannt ist – und dem Outro.
In der Brücke tauscht sich die Künstler in einem fesselnden Hin und Her, bevor sie auf dem letzten Text harmonisieren, der die Gefühle beider Charaktere ausdrückt: "Ich verspreche, dass man nie wieder einen solchen wie mich findet." Im Outro sind Linien von der Brücke und der Refrain geschickt miteinander verflochten, um ein eingängiges Grand-Finale-Hokfest zu schaffen.
Outro Stanza 1:
Brücke (Urie): Mädchen, da ist kein "Team"
Brücke (schnell): Aber Sie wissen, dass es ein "Ich" gibt
Chor (duet): Ich bin der einzige von mir (Oh-oh)
Chorus (duet): Baby, das macht Spaß
Outro Stanza 2:
Brücke (Urie): Schlagen Sie die Band auf, ein, zwei, drei
Brücke (Schnell): Ohne „ich“ kann man nicht „einschläs“ buchstaben
Chor (Duett): Du bist der einzige von euch
Chor (duet): Baby, das macht Spaß
Chor (duet): Und ich verspreche, dass niemand dich lieben wird wie mich-ee-ee
Die Meisterklasse analysierte, wie Swift in ihren neueren Veröffentlichungen poetischere Phrasierungen angenommen hat. Ähnliche Themen in der Titelzeile „We Are Never Ever Getting Back Together“ von 2012 kontrastierten mit einem tieferen Text in „Exile“ von 2020: „Du bist nicht mehr meine Heimat / Also, was verteidige ich jetzt?“ Offensichtlich hat Swifts Publikum eine solche Entwicklung in ihrem Schreiben akzeptiert.
Wie Swift gereift und sich weiterentwickelt hat, hat sich auch ihre Lyrik entwickelt. Von Fearless bis 1989 neigte der Großteil ihrer Top-10-Hits zur gemeinsamen und Gesprächslyrik, während es ab Reputation eine größere Einbeziehung poetischer Elemente gab. Gleichzeitig ist Swifts ursprüngliche Fangemeinde neben ihr gewachsen und hat sich auch in ihren lyrischen und musikalischen Vorlieben entwickelt.
Ein wichtiges Element, das man bemerken kann, ist jedoch, dass Swifts Songs nicht auf die eine oder andere Weise ganz lehnen. Es gibt immer ein gewisses Maß an Ausgewogenheit, um sicherzustellen, dass die Handlung faszinierend und dennoch leicht zu fassen ist. Zwei großartige Beispiele an beiden Enden des Spektrums sind "Jump Then Fall", ab 2009 und „Snow on the Beach“, ab 2022.
Umgekehrt haben einige der jüngsten Hits von Swift das, was man als „nonsense lyrics“ bezeichnet – wie die Zeile, die sie verwendet, um sich im Wesentlichen in „Cruel Summer“ mit dem Titeltext zu reimen. Schlagen Sie Popmusik kann eindeutig genauso viel über einen summbaren Haken wie ein sorgfältig gearbeiteter Text sein.
Absolut. Von The Rivingtons’ “Papa-Oom-Mow-Mow” über The Beatles’ “I Am the Walrus” zu Swifts “Cruel Summer” und darüber hinaus wurden unsinnige Texte in einer Menge Hits verwendet. Es muss jedoch einen Reim und einen Grund für ihre Verwendung geben.
Zum Beispiel knüpft der unsinnige Text „whoa“ in „Cruel Summer“ in „Cruel Summer“ geschickt mit der negativen lyrischen Richtung des Refrains durch die „Wehe“ an die negative lyrische Richtung des Refrains an. Hätte Swift stattdessen einen anderen sehr gesunden Unsinn wie „nah-nah“ oder „hey-hey“ verwendet, hätte es nicht annähernd so gut funktioniert.
Sie bemerken, dass nur 5% von Swifts Songs mit einem Refrain beginnen, der die Zuhörer sofort einhaken kann. Was sind irgendwelche Gründe, warum Künstler diese Methode nicht mehr verwenden?
Diese Statistik ist nicht nur Swift. Zum Beispiel haben in den letzten zehn Jahren nur 4% der Top 10 der Hot 100 mit dem Refrain begonnen. Zwei mögliche Gründe sind die schrumpfende Aufmerksamkeitsspanne und der Anstieg des Streamings. Wenn die Zuhörer den eingängigsten Teil des Songs füllen und sich abtun, bevor er auf die 30-Sekunden-Marke kommt, zählt der Song nicht als Stream.
Um dem entgegenzuwirken, ärgern einige Songs stattdessen ein Fragment des Chors oder eines anderen Hakens im Intro, um den Appetit der Zuhörer auf seine Rückkehr zu wecken und so ihre Chancen zu verbessern, eingestimmt zu bleiben, bis sie es bekommen. Etwas mehr als die Hälfte der Swift Hot 100 Top 10 von Fearless bis Midnights führen einen Schlüsselhaken im Intro ein.
Die Meisterklasse zitierte, dass Swift in „Love Story“ die gleiche Chormelodie verwendet, aber die Texte ändern sich und fördern die Erzählung des Songs. Wie häufig ist das bei Pop-Hits?
Es ist überhaupt nicht üblich und ist einer der Hauptbereiche, in denen Swift wirklich gegen den Strich geht. Etwas mehr als die Hälfte ihrer Hits von Fearless bis Midnights zeigen Refrains mit differenzierten Texten. Am meisten balancieren jedoch die neuen Texte mit recyceltem Material aus früheren Refrains, um ein gewisses Maß an Vertrautheit zu erhalten und sicherzustellen, dass das Haupt-„Hook-Center“ des Songs fest im Kopf des Hörers verwurzelt ist.
Interessanterweise widerspricht sie auch mit ihren Pre-Chören, die Song-Sektionen sind, die auch die gleichen Texte in Bezug auf die Titelreden in Popsongs enthalten. In Swifts Werk änderten drei Viertel ihrer Hits den vorchorus Text.
Schneller Sport, was man in „I Knew You Were Trouble' als „Drop-Technik“ bezeichnet, in dem sich der Chor weniger explosiv anfühlt als die Verse. Ist das eine relativ jüngere Eigenschaft unter Pop-Hits, im Gegensatz zu den vergangenen Jahrzehnten?
Die „Drop-Technik“ war vor etwa einem Jahrzehnt viel häufiger als jetzt, als EDM-beeinflusste Hits wie „Don’t You Worry Child“ von Swedish House Mafia hoch oben auf den Hot 100 waren, neben "I Knew You Were Trouble". Im Wesentlichen ist die Technik, wo der Chor zunächst zu einem spärzeren, weniger energetischen Arrangement im Vergleich zum vorangegangenen Abschnitt zusammenbricht und dann die Spannung und die Vorfreude erhöht, die in einem kurzen Moment der Stille gipfelt, der die Ankunft eines hochenergetischen Post-Corchors maximiert.
Nur wenige von Swifts Top-10-Sende verfügen über einen energiearmen, bruchgreifenden Chor, ein weiterer ist 2017 „...Ready for It“. Aber in diesem Fall wurde die spärzere, fließende, tropische Atmosphäre des Chors verwendet, um die Texte zum Thema Verabreichung zu verbessern, zusammen mit dem Aufbau des hochenergetischen, abrasiven "Sind Sie bereit dafür?"-Hok, der direkt folgt.
Swift war lyrisch so lyrisch wie Songs wie „Shake It Off“ und „Blank Space“ unter anderem. Wie bei anderen oben genannten Elementen, wie üblich ist diese Eigenschaft in der Hit-Musik?
Selbstreferentiell sind in der Hit-Musik in Genres und aus einer Reihe von Gründen weit verbreitet. Ein Künstler muss in der Lage sein, sich persönlich mit Texten zu verbinden, um seine Fähigkeit zu verschärfen, das Lied auf überzeugende und glaubwürdige Weise zu liefern. Wenn sie nicht glauben, was sie sagen, wird das Publikum auch nicht. Künstlerzentrierte Texte können auch Intrigen erzeugen und die Interaktion des Hörers im Song verschärfen. Dies war ein Markenzeichen von Swifts Texten während ihrer gesamten Karriere, da sich viele um ihre eigenen Beziehungen und Lebensereignisse drehen.
Darüber hinaus haben künstlerzentrierte Texte fast immer ein zugrunde liegendes universelles, verwandter Themen, wie Liebesvergehen und Belastbarkeit. Dies ermöglicht es dem Hörer, sich persönlich mit dem Lied zu verbinden, unabhängig davon, dass es um den darstellenden Künstler geht. Der Zuhörer kommt auch mit einem Gefühl der Solidarität mit dem Künstler davon, wenn er über etwas singt, das er durchmacht. Dies kann die Bindung zwischen ihnen stärken und die Chancen eines Hörers, ein lebenslanger Fan zu sein, zu stärken.
In der Meisterklasse haben Sie sich auch auf „Swiftism“ bezogen und dass sie früher in ihrer Karriere häufiger waren (und scheinbar ähnliche Effekte von Künstlern wie Billie Eilish und Olivia Rodrigo ausgegliedert haben). Was genau sind sie? Und warum hätte Swift sie überhaupt benutzt, und warum jetzt weniger?
„Swiftismus“ ist ein Begriff, den ich geprägt habe, um einen einzigartig identifizierbaren, vokal verschönerenden Moment in einem Swift-Hit zu beschreiben. Sie reichen von einem Lachen und einem Witz bis hin zu cleveren und wirkungsvollen Song-Titelhaken, die oft von einem Moment instrumentaler Stille beleuchtet werden.
Der erste „Swiftismus“ in einem Hot 100 Top-10-Hit lässt sich auf 2010 „Speak Now“ zurückverfolgen, kam aber 2012 in „We Are Never Getting Back Together“ wirklich in voller Blüte. Das Lied enthält drei von ihnen: das gesprochene "was" am Ende der ersten Strophe der Verse 1; "wie, ever" in der Turnaround und Brücke; und das Lachen am Ende der Verse 2.
Diese „Swiftism“s, zusammen mit einigen ihrer einzigartigeren, ikonischen Brücken in Songs wie "Shake It Off", "Look What You Made Me Do" und „Cruel Summer“, hatten ihre hektischen Zeit von 1989 bis Reputation. Während sie Komponenten ihres charakteristischen Klangs waren, begann sie, sie auslaufen zu lassen. Ein möglicher Grund ist, dass sie, wenn sie sie weiterhin verwendet hätte, wahrscheinlich vorhersehbar und trickfähig geworden wären und ihre Wirkung verloren hätten. Eine andere ist, dass sie sich nicht mit ihren neuen, reiferen stilistischen Richtungen auf Folklore, Evermore und Midnights vernetzt haben. Darüber hinaus wurden diese Qualitäten von Künstlern der nächsten Generation wie Eilish („duh!“) und Rodrigo (die Brücke in "Deja Vu") in Hits integriert, so dass die Technik nicht mehr nur Swift zu sehen war.
Einige von Swifts Hits beinhalten das, was wir A.P.M.s nennen: Publikumsbeteiligungsmomente. Dies sind Eigenschaften oder Momente in einem Lied, das darauf vorbereitet ist, das Publikum zum Singen, Summen, Klatschen und/oder Zusammen mit dem Darsteller im Konzert zu bringen.
In „Cruel Summer“ zum Beispiel eignen sich Swifts gerufene Linien am Ende jeder Brückenstrophe perfekt zu einem A.P.M., zusammen mit der Vermittlung der Emotion, die Swift zu ihrem Liebesinteresse empfindet.
Bei einer Taylor Swift-Show wird jedoch fast jeder Aspekt eines Songs an und für sich zu einem A.P.M., wobei das Publikum jedes Wort singt und zurückreschmunt. Das ist das Kennzeichen eines echten Superstars.
Quelle: Billboard
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